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Citations sur le regardeur

Il y a 33 citations sur le regardeur.

• J’abandonne ma peinture au regardeur. Je ne mets pas de mode d’emploi dessous, je ne mets pas de titre anecdotique comme le font souvent les peintres figuratifs qui sont dans la nécessité de le faire.

• De deux regardeurs il y en un qui devient joueur.

• Le regardeur est invité à choisir la photo qu’il estime la plus remarquable. Il pourra la remporter lors du tirage au sort organisé le 31 juillet.

• Les œuvres de l’artiste ont fait l’objet d’une étude scientifique menée par les neuroscientifiques [Helmut Leder](https://en.wikipedia.org/wiki/Helmut_Leder) et Marcos Nadal de l’Université de Vienne en Autriche, intitulée « L’art des courbes dans le monde réel : un regard psychologique sur l’art de Guillaume Bottazzi ». Cette étude prouve que les œuvres de [Guillaume Bottazzi](https://www.guillaume.bottazzi.org) tendent à réduire l’anxiété du regardeur et qu’elles favorisent l’activité de dopamine. En synthèse, elles participent à notre bien-être.

• De tous ses voyages, dont particulièrement l’Amérique Latine où une partie de sa famille a émigré, ce sont des images du Tibet que cet artiste reconnu a choisi d’exposer au Musée de la Photographie – Charles Nègre à Nice où ses photos montrent le travail sensible d’un très grand « regardeur » de notre époque.

• Pour sa première grande exposition de photographie uniquement contemporaine, le Musée du Quai-Branly a misé sur la lenteur et le détour par la poésie: une centaine d'œuvres, photographies et vidéos, à parts presque égales, lentement déployées sur 2000 m² comme un long fleuve. Le visiteur est invité à devenir ce regardeur sensible qui part, par l'image et la pensée, sur les quatre continents (Amériques, Afrique, Asie, Océanie) et construit son propre récit, comme tout lecteur d'un grand livre.

• "Ce sont les regardeurs qui font les tableaux" disait Duchamp. Daniel Buren, figure de l'art in situ, s’en approche lorsqu’il confie "si je ne faisais pas confiance au regardeur, je crois que je n’exposerais pas". Dans cette Masterclasse, l’artiste-plasticien se livre sur sa démarche créative.

• Artiste, photographe, écrivain, pédagogue et passeur, Christian Milovanoff raconte, au micro d'Aude Lavigne, sa vocation de regardeur professionnel, décrit son univers photographique et tente de définir ce qu'est et ce que représente l'art de faire des images.

• Et le résultat est saisissant : plus c’est pareil, plus ça change… Souvent, le regardeur s’y trompe : on pourrait croire que le modèle change pour chaque photographie, avant de comprendre que l’artiste se met elle-même en scène, à chaque fois. Un protocole conceptuel respecté à la lettre.

• L'exposition regroupe 64 de ses œuvres, certaines datant de cette année et d’autres plus anciennes. Ces toiles, plus ou moins abstraites, représentent donc des « Anti-portraits ». Ce sont des visages, souvent torturés, parfois colorés, d’anonymes. Dominique Garandet explique sa démarche : « Ce ne sont pas des personnes réelles, chacun peut se projeter comme il le souhaite, se reconnaître dans les toiles ou voir quelqu’un d’autre, comme on me l’a déjà fait remarquer. Contrairement au portrait, où le sujet est d’emblée imposé au regardeur. »

• Remonter plusieurs fois les cimaises qu’occupent les trois cent œuvres de Marcel Dirou. En parler est au risque de s’en éloigner, tant le mystère des œuvres résiste. Les regards des portraits nous regardent. Les formes rendent étranges le regardeur. Tout de suite on pressent, on sent, on ressent, quelque chose a lieu. Il s’agit d’une charge puissante, percutante, douloureuse. Pas de mal à imaginer l’insomniaque, le taiseux, celui qui face aux élèves, durant la journée, s’illumine et, sitôt quitté son travail, revient à ses nuits de couleurs, ses nuits d’encre de Chine, s’efforçant compulsivement à faire taire ses terreurs.

• L’artiste crée des formes qui témoignent d’un engagement envers une « poétique du métissage ». Par différentes stratégies conceptuelles de tissage, au sens strict mais aussi métaphorique, Tarik Kiswanson s’attache à rendre perceptible ce besoin d’être « en relation » formulé par Edouard Glissant. Ses œuvres sont activées par la présence du regardeur, tout en lui offrant en retour sa propre image instable, décuplée, effacée ou diffractée.

• Sur le rouleau de la machine à écrire, une feuille, entièrement tapée de « aïe ! aïe ! aïe » (je la fais brève, ça prend toute la page). Surprenant. C’est alors que les yeux du regardeur se posent sur les touches de la machine. Chacune est munie d’un long clou pointu, pique en l’air. On rit en imaginant le type qui s’est piqué les doigts pour écrire sa feuille. Juste à côté, le cartel indique « Machine à aigrir ». Du génie pur.

• Peintre de la matière et de l'énergie, Marie-Luce Soubabère nous renvoie dans ses œuvres abstraites au questionnement universel de nos origines. Le regardeur ne peut qu'y trouver son compte.

• Ancien disciple de Roland Barthes, - il a suivi son séminaire aux côtés d'Alain Finkielkraut, Pascal Bruckner et des frères Bogdanov -, l'éditeur-écrivain Patrick Mauriès est un modèle de modestie. Et pourtant, ce passionné de littérature et de mode, auteur d'un livre-référence sur l'univers des cabinets de curiosités (1) est, à son échelle, l'archétype du « regardeur » éclairé, dans la lignée des grands défricheurs Nicolas Pereisc ou Elias Ashmole.

• Il a été le baladin des sentiers de traverse, le cinéaste des sentiments en demi-teinte, le regardeur d’une réalité brumeuse. Michel Deville, auquel la Cinémathèque française consacre une rétrospective en 29 films, à Paris, a été un artiste inclassable – mais formidable.

• Si l’art instaure une rencontre, la promesse d’un rendez-vous supposé et  potentiel, il contribue en outre  à faire émerger en soi les contours d’une œuvre intérieure, mobilisant l'imaginaire des œuvres tout aussi bien que l'imaginaire du regardeur.  

• Dans le quartier du Bois-Verna, à la rue Camille Léon et à la rue des Marguerites, l’empreinte des artistes du mouvement de l’art urbain ne fait pas tort au regardeur. Les peintures deviennent des motifs muraux qui ont l’air d’appartenir depuis longtemps à l’environnement.

• Oblitération par le vide, le plein, par le manque, toutes les œuvres de Sosno jouent avec l’apparence. Le regardeur est mis en demeure de s’interroger, une expérience peu fréquente à l’heure du déferlement incessant et insensé d’images sur lesquelles l’œil glisse très vite.

• L’autre révolution menée par ces jeunes impressionnistes est technique : leurs couleurs ne sont plus mêlées sur la palette mais directement posées sur la toile, les unes à côté des autres. Le mélange chromatique n’est donc plus d’ordre physique mais optique : il est celui de l’œil du regardeur. Autres changements encore : grâce à l’invention du tube de peinture, l’artiste peut sortir de son atelier et aller travailler sur le motif. Enfin, les impressionnistes constituent un véritable collectif d’artistes, structuré au sein d’une société coopérative au financement participatif.